Verano 1993

Verano 1993

Estamos a mediados de 1993 y Frida (Laia Artigas) es una niña de seis años que acaba de empezar a vivir con su nueva familia, que la ha adoptado después de que meses atrás muriera su madre. Es su primer verano sin su compañía, y en pleno campo, alejada de todo lo que ella ha conocido, Frida tendrá que adaptarse a su nueva situación. Por suerte, sus padres adoptivos y su nueva hermana pequeña harán todo lo que esté en su mano para ayudarla a superar su tristeza y a seguir adelante con su apoyo incondicional.

Valoración: 6,965.

Verano 1993

FICHA

Título Original: Estiu 1993.
Directora: Carla Simón.
Guionista: Carla Simón.
Reparto: Fermí Reixach, David Verdaguer, Bruna Cusí, Laia Artigas, Paula Robles, Isabel Rocatti, Paula Blanco, Montse Sanz, Etna Campillo, Quimet Pla, Berta Pipó.
Productor: Valérie Delpierre.
Música: Ernest Pipó.
Fotografía: Santiago Racaj.
Montaje: Didac Palou, Ana Pfaff.
País Participante: España.
Año de Producción: 2017.
Duración: 97 minutos.
Calificación por Edades: Apta para todos los públicos.
Género: Drama.
Estreno (España): 30 de junio de 2017.
DVD (Venta): 22 de noviembre de 2017.
Distribuidora (España): Avalon.
Espectadores (España): 197.382.
Recaudación (España): 1.198.471,84 €.
Visitas: 0.
Popularidad (Blog): 19 / 36.
Popularidad (Internet): 9 / 36.

Verano 1993

CRÍTICA

02-07-2017 – ANTON MERIKAETXEBARRIA

Inocencia rebelde

Una primera película es siempre un hecho esperanzador. No obstante, cuando se han tenido muchos encontronazos con 'óperas primas', la esperanza aparece nimbada por un halo de inquietud, porque las frustraciones han sido numerosas. Hay tanto cineasta voluntarioso, que parece preferible acercarse a la obra primeriza con cautela, por si una vez más sobrevive la decepción. No es el caso de "Verano 1993", espléndida primera película con carácter autobiográfico de Carla Simón, protagonizada por Frida, una niña de seis años, desconcertada tras la muerte de su madre viuda.

Se trata de una chiquilla inteligente, desconfiada y solitaria, dispuesta a hacer valer el hermético universo infantil que ha logrado crear en su nuevo hogar. En ese sentido, nuestra heroína deberá aprender a amar a sus nuevos padres -sus tíos- y a cuantos la rodean, tras superar el dolor por una pérdida irreparable. Pero, de alguna forma, para la pequeña Frida la muerte de su madre es como si durmiera un sueño sagrado. Lo cual da paso a una película de profunda raigambre lírica, de exquisito encaje de emociones y sentimientos, no exenta, como es natural, de una suave tristeza.

Carla Simón demuestra con "Verano 1993" que es también una excelente narradora, al crear atmósferas, situaciones y personajes auténticos y creíbles. Por si fuera poco, es encomiable el enfoque que da al tema principal del filme: la pérdida de la inocencia ante la realidad incontestable de la muerte. Un ambiguo espejo de la vida y la muerte, la vigilia y el sueño, lo real y lo imaginario, que va ganando en intensidad poética a medida que se acerca el final. Se trata de un crisol de sucesos que su autora va dejando a lo largo de la historia, como Pulgarcito sus piedras en el camino. En fin, uno no sabe cómo recibirá el gran público esta delicada película, pero apuesto decididamente por esta clase de cine; es decir, por el cine. Tráiler.

Verano 1993

Un don excepcional (2017)


Frank Adler (Chris Evans) es un hombre soltero que se dedica a tiempo completo a cuidar de su joven sobrina Mary (Mckenna Grace), una brillante niña prodigio que, con sólo 7 años, tiene un asombroso dominio de las matemáticas. Los progresos de la pequeña llegan a los oídos de su abuela, que planea arrebatar su custodia a Frank. Él, que quiere que Mary sea una niña normal, emprenderá una dura y tensa batalla familiar con el apoyo de la profesora de la niña, cuyo interés por su alumna desembocará en una relación con su tío.

Valoración: 7,248.


FICHA

Título Original: Gifted.
Director: Marc Webb.
Guionista: Tom Flynn.
Reparto: Lindsay Duncan, Chris Evans, Keir O'Donnell, Octavia Spencer, Mckenna Grace, Jenny Slate, John M. Jackson, Glenn Plummer, Julie Ann Emery, Jona Xiao, John Finn.
Productores: Andy Cohen, Karen Lunder.
Música: Rob Simonsen.
Fotografía: Stuart Dryburgh.
Montaje: Bill Pankow.
País Participante: Estados Unidos.
Año de Producción: 2017.
Duración: 101 minutos.
Calificación por Edades: No recomendada para menores de 7 años.
Género: Drama.
Estreno (España): 30 de junio de 2017.
DVD (Venta): 2 de noviembre de 2017.
Distribuidora (España): 20th Century FOX España.
Espectadores (España): 99.081.
Recaudación (España): 592.053,15 €.
Visitas: 0.
Popularidad (Blog): 9 / 31.
Popularidad (Internet): 2 / 31.


CRÍTICA

01-07-2017 – JOSU EGUREN

Una niña como las demás

¿Cómo hacer que una película parezca distinta cuando el guion convoca un arsenal de tópicos sobre dramas intrafamiliares? Si Marc Webb se hizo alguna vez esa pregunta, no parece que en "Un don excepcional" le haya parecido conveniente responderla; y aún así su regreso a los orígenes ("500 días juntos", 2009), tras el sonado fracaso del díptico formado por "The Amazing Spider-Man" (2012) y "El poder de Electro" (2014), tiene la capacidad de remover el corazón del espectador, sin hacer una pira con todo el material inflamable que acumula un texto que enfrenta a una abuela y a su hijo por la custodia de una niña superdotada.

Gran parte de la eficacia de "Un don excepcional" se debe a la naturalidad y la sencillez con las que Webb establece los lazos sentimentales que unen al personaje interpretado por Chris Evans ("Capitán América: Civil War", Anthony Russo, Joe Russo, 2016) y a esa irresistible Elle Fanning de bolsillo que responde al nombre de Mckenna Grace ("Independence Day: Contraataque", Roland Emmerich, 2016), desde el planteamiento de una primera secuencia que siembra pequeños matices con los que jugará a lo largo del metraje. También es de agradecer que en ningún momento dé la impresión de que Evans amerite al estatus de actor de prestigio en paralelo a su estrellato dentro del Universo Marvel, lo que sumado al candor y la empatía que irradia la actriz infantil dan como resultado un drama en tonos pastel que formula interrogantes en torno a cómo tratar a una criatura extraordinaria con las mismas necesidades afectivas que cualquier otra niña de su edad.

La batalla por Mary se libra en la corte local de una población cercana a Tallahassee (Florida) pero los afectos de Webb se inclinan hacia la resolución del conflicto por la vía de la catarsis dialéctica, y en ese punto cobran especial importancia recursos como la altura de la cámara que se convierte en pilar de una puesta en escena discreta y convencional.

Hermanos del viento (2015)


Lukas (Manuel Camacho) se ha convertido en víctima de la depresión de su padre, encerrado en sí mismo desde la muerte de su madre, fallecida mientras rescataba a un Lukas recién nacido. El pequeño, que lleva sobre sus hombros la carga de esta dura pérdida, encuentra un día un polluelo arrojado del nido por su hermano, una cría más fuerte. Lukas decide cuidar del ave, encontrando el amor y cariño que no tiene en casa, pero en el momento de tener que soltarla, Lukas deberá encontrar también su propia liberación.

Valoración: 6,601.


FICHA

Título Original: Brothers of the Wind.
Directores: Gerardo Olivares, Otmar Penker.
Guionista: Joanne Reay.
Reparto: Jean Reno, Tobias Moretti, Manuel Camacho, Eva Kuen.
Productores: Philip-Jaime Alcazar, Walter Köhler.
Música: Sarah Class.
Fotografía: Óscar Durán, Otmar Penker.
Montaje: Karin Hartusch.
Países Participantes: Austria, España.
Año de Producción: 2015.
Duración: 97 minutos.
Calificación por Edades: Apta para todos los públicos.
Género: Drama, Aventuras, Infantil.
Estreno (España): 23 de junio de 2017.
DVD (Venta): 25 de octubre de 2017.
Distribuidora: Wanda Visión.
Espectadores (España): 35.798.
Recaudación (España): 200.950,42 €.
Visitas: 0.
Popularidad (Blog): 19 / 27.
Popularidad (Internet): 15 / 27.


CRÍTICA

25-06-2017 – JOSU EGUREN

Arrojados del nido

Cualquier análisis superficial de la filmografía del cordobés Gerardo Olivares ("14 kilómetros", "Entrelobos", "La gran final") hace evidente un patrón que se repite en este híbrido de ficción y documental donde comparte responsabilidad con el camarógrafo austriaco Otmar Penker: la relación del hombre con la naturaleza salvaje, tan bella y deslumbrante como en ocasiones esquiva y hostil.

Rodada dos años antes de "El faro de las orcas" (2016), "Hermanos del viento" propone un encuentro amable entre el dolor de un niño maltratado por su padre y la fragilidad de un polluelo de águila arrojado del nido, aunque en todo momento queda la sensación de que la trama dialogada es un mero apéndice artificial a un enunciado cinematográfico en el que priman la rotundidad de las imágenes documentales por encima de un tibio discurso dramático.

Que el protagonista decida bautizar a la cría de águila con el nombre de Abel deja a las claras el grado de finura aplicado a la redacción de una metáfora pensada para tocar la fibra sensible del público infantil, feliz en una ingenuidad que no le hace cuestionarse cuánto hay de verdad en esas escenas en las que Olivares y Penker troquelan los instintos salvajes para acomodarlos en un arco narrativo con unas costuras hilvanadas a partir de unos pocos apuntes en las antípodas de "Kes" (Ken Loach, 1969), la obra de referencia para los apasionados al cine y la ornitología.

El interés del tándem está en darle vuelo a la cámara sin preocuparse en exceso de lo que ocurre a ras de suelo, donde Jean Reno presta su cara de circunstancias al intercambio de gestos y silencios entre Manuel Camacho y Tobias Moretti, porque es el terreno donde se sienten más a gusto, planificando las reacciones de asombro del público virgen a la espectacularidad del paisaje alpino.

Wonder Woman (2017)


Antes de ser conocida como Wonder Woman, era Diana de Themyscira (Gal Gadot), princesa de las Amazonas. Criada en una remota isla y educada para ser una guerrera invencible, Diana decide abandonar su hogar para ayudar a Steve Trevor (Chris Pine), un piloto que, tras sufrir un accidente, le cuenta la gran guerra que sacude el mundo. Mientras lucha junto a otros soldados, Diana, convencida de que puede neutralizar la amenaza, descubrirá su verdadero potencial y el destino para el que, desde niña, se ha estado preparando.

Valoración: 7,146.


FICHA

Título Original: Wonder Woman.
Directora: Patty Jenkins.
Guionista: Allan Heinberg.
Reparto: Robin Wright, Connie Nielsen, Chris Pine, Gal Gadot, David Thewlis, Elena Anaya, Danny Huston, Lucy Davis, Ewen Bremner, Eleanor Matsuura, Saïd Taghmaoui.
Productores: Charles Roven, Deborah Snyder, Zack Snyder, Richard Suckle.
Música: Rupert Gregson-Williams.
Fotografía: Matthew Jensen.
Montaje: Martin Walsh.
País Participante: Estados Unidos.
Año de Producción: 2017.
Duración: 141 minutos.
Calificación por Edades: No recomendada para menores de 12 años.
Género: Fantástica, Acción, Aventuras, Ciencia Ficción.
Estreno (España): 23 de junio de 2017.
DVD (Venta): 13 de octubre de 2017.
Distribuidora (España): Warner Bros. Pictures España.
Espectadores (España): 1.184.644.
Recaudación (España): 7.327.088,03 €.
Visitas: 0.
Popularidad (Blog): 5 / 22.
Popularidad (Internet): 1 / 22.


CRÍTICA

24-06-2017 – ANTON MERIKAETXEBARRIA

Amazona de acero

Diana, la sugestiva princesa de las amazonas, se propone en esta ocasión acabar con todos los conflictos bélicos, empezando por la Primera Guerra Mundial. Invencible personaje encarnado de forma resolutiva por la actriz Gal Gadot ("Criminal", Ariel Vromen, 2016), donde la parafernalia técnico-artística tiene asimismo mucho que decir, con lo cual se refuerza de forma considerable su feminista misión justiciera. "Wonder Woman" arranca con un breve prólogo en el París actual para, a continuación, trasladar la acción a la fabulosa isla de Themyscira, santuario de las míticas amazonas, allá por 1918.

Tras el debut con "Monster" (2003), la ambiciosa Patty Jenkins firma una superproducción que la acredita como la talentosa cineasta heterodoxa que en su día anunció. Porque "Wonder Woman" no es sólo una entretenida película de aventuras, sino también uno de esos saltos evolutivos que, de tanto en cuanto, propulsan al género hacia inéditos hiperespacios del espectáculo. Combinando ecos del original cómic DC con las cabriolas visuales de última generación, la directora ha sabido trasladar a la pantalla la ética y la estética de William Marston, creador de la popular superheroína.

Así pues, Patty Jenkins confirma su poderío como forjadora de imágenes impactantes, las más espectaculares que uno recuerda en mucho tiempo, subrayando que si bien otros cineastas (Ridley Scott, sin ir más lejos) se hallan a años luz en cuestiones de complejidad temática, a ella no hay quien le tosa a la hora de crear un estimulante universo imaginario en expansión, un cóctel no apto para cardíacos. Pero, lo mejor de "Wonder Woman" está en la presencia de la arrebatadora y supervitaminada Gal Gadot: una mujer de acero y seda, tan fascinante como un aria de Giuseppe Maria Orlandini ('Alza al ciel pianta orgogliosa'), que en un futuro no muy lejano debería legar a la ciencia su genoma.

La casa de la esperanza (2017)


En 1939, Antonina (Jessica Chastain) y Jan Zabinski (Johan Heldenbergh) tienen una vida perfecta. En lo profesional, el zoo de Varsovia prospera bajo la dirección de él y los cuidados que ella da a las fieras. Pero entonces el ejército nazi ocupa Polonia, y ellos deberán responder ante el zoólogo jefe del Reich, que tiene planeada una cría selectiva de animales. Entonces, los Zabinski contactaran con la Resistencia y utilizarán las jaulas y los túneles del zoo para salvar vidas humanas, una decisión que pondrá en riesgo sus vidas.

Valoración: 6,851.


FICHA

Título Original: The Zookeeper's Wife.
Directora: Niki Caro.
Guionista: Angela Workman.
Reparto: Daniel Brühl, Jessica Chastain, Goran Kostic, Johan Heldenbergh, Michael McElhatton, Iddo Goldberg, Shira Haas, Efrat Dor, Timothy Radford, Martha Issová.
Productores: Jeff Abberley, Diane Miller Levin, Jamie Patricof, Kim Zubick.
Música: Harry Gregson-Williams.
Fotografía: Andrij Parekh.
Montaje: David Coulson.
Países Participantes: Estados Unidos, Reino Unido, República Checa.
Año de Producción: 2017.
Duración: 127 minutos.
Calificación por Edades: No recomendada para menores de 12 años.
Género: Drama, Biográfica.
Estreno (España): 23 de junio de 2017.
DVD (Venta): 25 de octubre de 2017.
Distribuidora (España): eOne Films Spain.
Espectadores (España): 141.028.
Recaudación (España): 841.387,73 €.
Visitas: 0.
Popularidad (Blog): 8 / 20.
Popularidad (Internet): 4 / 20.


CRÍTICA

23-06-2017 – JOSU EGUREN

Razas

Entre 1939 y 1945, la pareja formada por Jan y Antonina Zabinski dio cobijo a cerca de 300 huéspedes clandestinos ocultándolos en las ruinas del zoo de Varsovia. Cientos de judíos encontraron refugio junto a los pocos animales supervivientes del bombardeo que arrasó uno de los puntos neurálgicos de la ciudad. Esta es su historia.

Filmada por Niki Caro, previa adaptación de 'La casa de la buena estrella' de Diane Ackerman, en "La casa de la esperanza" de los Zabinski habita la clásica retahíla de buenas intenciones y tópicos deformados que se han hecho comunes en todo proyecto adscrito al subgénero de subgéneros inaugurado por "La lista de Schindler" (Steven Spielberg, 1993). Las tensiones surgidas en el matrimonio por la irrupción de un Mengele zoológico de las SS enviado por Hermann Goering con la misión de resucitar una extinta super raza bovina -los aurochs-, mitificada por el régimen nazi, siembran una trama paralela a la línea dramática principal poniendo énfasis en los encuentros entre Daniel Brühl y Jessica Chastain de cargante gesto compungido y acento impostado.

Con la morosidad de sus diálogos como losa, y la sensación de estar rodada sobre la plantilla de los dramas telefílmicos sobre el Holocausto, "La casa de la esperanza" agoniza pese a los intentos de la neozelandesa de resucitarla aplicando brío a secuencias como la que ilustra el levantamiento del gueto de Varsovia.

La explotación maquiavélica del fuera del campo es el último cartucho lacrimógeno de una cinta que redunda con saña en sus defectos segura de que es su mejor baza para emocionar a los espectadores al borde del coma cerebral. Puede que con estos mimbres otra película no fuese posible, y eso exime parte de la culpa que arrastra una directora que no ha sobrevivido a la fama de su prometedora "Whale Rider" (2002).

Señor, dame paciencia (2017)


Gregorio (Jordi Sánchez) es un banquero de ideas conservadoras y forofo del Real Madrid. Un día, su mujer fallece repentinamente, y él se ve obligado a cumplir su última voluntad: viajar junto a sus hijos y sus parejas hasta Sanlúcar de Barrameda para esparcir sus cenizas en el Guadalquivir. En el viaje se encontrará con los novios de sus hijas, un catalán muy culé y un hippie antisistema, y con el de su hijo, al que no ve desde que le confesó ser homosexual y que ahora aparecerá con Eneko (Boré Buika), un vasco-senegalés.

Valoración: 5,530.


FICHA

Título Original: Señor, dame paciencia.
Director: Álvaro Díaz Lorenzo.
Guionista: Álvaro Díaz Lorenzo.
Reparto: Rossy de Palma, Jordi Sánchez, Silvia Alonso, Megan Montaner, Eduardo Casanova, Paco Tous, Boré Buika, Antonio Dechent, David Guapo, Salva Reina, Andrés Velencoso.
Productores: Mercedes Gamero, Mikel Lejarza, José Manuel Lorenzo, Antonio P. Pérez.
Música: Julio de la Rosa.
Fotografía: Valentín Álvarez.
Montaje: Verónica Callón.
País Participante: España.
Año de Producción: 2017.
Duración: 91 minutos.
Calificación por Edades: No recomendada para menores de 12 años.
Género: Comedia.
Estreno (España): 16 de junio de 2017.
DVD (Venta): 6 de octubre de 2017.
Distribuidora (España): Warner Bros. Pictures España.
Espectadores (España): 1.109.644.
Recaudación (España): 6.689.260,30 €.
Visitas: 0.
Popularidad (Blog): 19 / 28.
Popularidad (Internet): 14 / 28.


CRÍTICA

22-06-2017 – ANTON MERIKAETXEBARRIA

Qué mal rollo

La relación de un padre con su prole y el viaje que llevan a cabo con el propósito de arreglar sus irreconciliables diferencias es el descacharrante motor de esta burda parodia costumbrista, que pretende conectar con la realidad circundante y se queda en pura filfa. Toda una serie de ramplones sujetos, incluidos un papá carca, un chaval sarasa, su novio vasco, algún que otro catalán de puño cerrado y muchos más conforman una farsa del tres al cuarto, filmada a la brocha gorda por un realizador incapaz de infundir vida a los personajes, al tiempo que ignora el saludable sentido del humor del que siempre hizo gala el inolvidable Luis García Berlanga.

Aquí estamos ante un mal rollo de mucho cuidado, tan vulgar como patético, de manera que la anécdota se desarrolla entre gentes con poca imaginación, una absoluta ausencia del sentido del ridículo y una sempiterna tendencia a la caricatura. Porque "Señor, dame paciencia" intenta seguir la estela de otros exitosos enredos costumbristas, al estilo de "Ocho apellidos vascos" (Emilio Martínez Lázaro, 2014), por si cuela: pues no. Desde luego, la sensibilidad, el buen gusto, la cultura en general brillan por su ausencia. Esa creatividad que no sólo es necesaria, sino que es imprescindible.

Es la llave que enriquece nuestras vidas ya que nos ayuda a entender nuestra existencia con mayor plenitud. No hay sociedad floreciente sin una cultura desarrollada. Por desgracia en España la cultura tiene cada vez menos presencia. Esta pobreza, de la que "Señor, dame paciencia" es una triste muestra, fomenta la falta de criterio propio en las personas, que son las que de verdad corren peligro en el futuro. Así pues, no es de recibo olvidar nuestra doble condición de seres racionales e irracionales, donde el arte, en este segundo apartado, resulta algo esencial. Con subproductos como éste, parece como si la suerte del cine español estuviera echada para mucho tiempo.

Chavela (2017)


Después de 12 años de alcoholismo y tras una dolorosa ruptura con el amor de su vida, Chavela Vargas concede en 1991 una entrevista justo antes de viajar a España, donde resurgirá de sus cenizas para recuperar el lugar que la música le tenía reservado. Esta entrevista servirá como hilo conductor para repasar la inconfundible figura de una mujer que siempre defendió su condición de lesbiana, y que fue la primera mujer en convertirse, con su inconfundible voz, en gran leyenda de las rancheras.

Valoración: 8,037.


FICHA

Título Original: Chavela.
Directoras: Catherine Gund, Daresha Kyi.
Guionistas: Catherine Gund, Daresha Kyi.
Reparto: Documental.
Productores: Catherine Gund, Daresha Kyi.
Música: Gil Talmi.
Fotografía: Natalia Cuevas, Catherine Gund, Paula Gutiérrez Orio.
Montaje: Carla Gutierrez.
Países Participantes: Estados Unidos, España, México.
Año de Producción: 2017.
Duración: 90 minutos.
Calificación por Edades: No recomendada para menores de 7 años.
Género: Documental, Biográfica, Musical.
Estreno (España): 16 de junio de 2017.
DVD (Venta): 21 de noviembre de 2017.
Distribuidora (España): Syldavia Cinema.
Espectadores (España): 11.484.
Recaudación (España): 60.147,38 €.
Visitas: 0.
Popularidad (Blog): 21 / 28.
Popularidad (Internet): 16 / 28.


COMENTARIO

Daresha Kyi y Catherine Gund firman una película de estructura lírica que transporta a los espectadores con un viaje evocador y provocador a través de la vida de la iconoclasta artista Chavela Vargas. El tono relajado que utiliza la mujer mientras habla con un grupo de jóvenes admiradoras durante el rodaje que Catherine realizó en 1991, ofrece a los espectadores una visión íntima y poco conocida de esta emblemática cantante de voz rota, alcohólica y lesbiana, pero, sobre todo íntegra. 'Piensa en mí...'. (Anuario Fotogramas 2018: Mariona Borrull).


CRÍTICA

21-06-2017 – JOSU EGUREN

El último trago

Para los que nos dimos de bruces con la voz de Chavela Vargas escuchando la filmografía de Pedro Almodóvar, la intérprete de 'Piensa en mí' y el director manchego son un todo indivisible: "Tacones lejanos" (1991), "Kika" (1993), "La flor de mis secreto" (1995) y, especialmente, "Carne trémula" (1997) serían tan distintas sin la inspiración de la cantante costarricense que por fuerza era necesario incluir el testimonio de quien hizo imágenes las letras de 'Luz de luna' y 'El último trago' en un documental firmado a dos manos por Catherine Gund y Daresha Kyi.

De Chavela lo sabemos todo: amor, dolor, violencia, adicciones y lesbianismo son temas recurrentes en un repertorio que la reivindicó como la figura más notable dentro de un género masculino y machista, tanto que la tarea de las documentalistas se concentra en filtrar datos y medias verdades para destilar al máximo los hitos de una biografía tempestuosa que tiene su origen en el sufrimiento de un alma partida.

Sumando instantáneas de la relación entre Chavela y Frida Kahlo, extractos de una entrevista inédita, los testimonios de Elena Benarroch, Miguel Bosé y el hijo de José Alfredo Jiménez, cortes de audio y diapositivas, Gund y Kyi reconstruyen una memoria lindante con el mito pero sin ahorrar detalles escabrosos que paradójicamente contribuyen a ensalzar la figura de una mujer menuda que bajo su poncho desataba la fuerza de un torbellino.

En lo formal, "Chavela" es un documental atento a la crónica artística y sentimental -y a los múltiples cauces que la atraviesan desde su debut hasta su resurrección tardía- que aprieta en un puño 93 años de una vida de resacas y excesos sin concesiones a la experimentación narrativa a la que invitaba el recuerdo de una mujer única.

Mientras ellas duermen (2016)


Kenji (Hidetoshi Nishijima) pasa junto a su mujer unos días en un hotel de la costa. Mientras ella se dedica a mejorar sus relaciones laborales, él busca la manera de salir del bloqueo que le impide terminar su novela. Pronto encontrará inspiración en la pareja formada por Sahara (Takeshi Kitano), un hombre de avanzada edad, y su jovencísima acompañante. Tras conocer la fascinación de Sahara por grabar a la muchacha mientras duerme, Kenji conseguirá empezar a escribir, aunque a cambio entrará en una espiral de peligros y misterios.

Valoración: 5,522.


FICHA

Título Original: While the Women Are Sleeping.
Director: Wayne Wang.
Guionistas: Shinho Lee, Michael Ray, Mami Sunada.
Reparto: Takeshi Kitano, Hidetoshi Nishijima, Sayuri Oyamada, Shiori Kutsuna, Lily Franky, Hirofumi Arai, Makiko Watanabe.
Productor: Yukie Kito.
Música: Yuki Yamamoto.
Fotografía: Atsuhiro Nabeshima.
Montaje: Deirdre Slevin.
País Participante: Japón.
Año de Producción: 2016.
Duración: 103 minutos.
Calificación por Edades: No recomendada para menores de 12 años.
Género: Drama.
Estreno (España): 16 de junio de 2017.
DVD (Venta): 26 de julio de 2017.
Distribuidora: Mediatres Estudio.
Espectadores (España): 756.
Recaudación (España): 4.302,40 €.
Visitas: 0.
Popularidad (Blog): 24 / 24.
Popularidad (Internet): 23 / 24.


CRÍTICA

20-06-2017 – ANTON MERIKAETXEBARRIA

Placeres ocultos

Un relato del escritor español Javier Marías sirve de base a esta película japonesa de Wayne Wang, cuyo detonante argumental es una obsesión. Describe la fascinación de un novelista por una mujer, en un hotel situado en la península de Izu. Lo que viene a continuación es una mixtura de melodrama y 'thriller', filmada por el autor de "Smoke" (1995) poniendo el acento en las actitudes voyeuristas del protagonista, abocado a un callejón sin salida. La ambigüedad campa por sus respetos en este anticuado filme, en el que se echa de menos una atmósfera sofocante y una superior tensión sexual.

A partir de ahí, la sensación de confinamiento es palpable en el desarrollo de la historia, ambientada casi de forma íntegra en dicho hotel, por el que deambulan fantasmales personajes. Lo cual propicia que el espectador nunca esté seguro de si es real lo que está viendo o es simplemente producto de la imaginación del protagonista. Se trata de un hombre infiel, convencido, valga la paradoja, de que la mujer objeto de deseo es infinita. Hasta el punto de que, a veces, un espasmo de dulce voluptuosidad parece recorrer todo su cuerpo, como si quisiera decirnos: «Iníciame en el hechizo de la vida...».

Esos instantes fugitivos son lo más potable de "Mientras ellas duermen", ya que en última instancia el tinglado promete más de lo que luego ofrece, a pesar del buen hacer interpretativo del prestigioso director Takeshi Kitano ("Zatoichi", 2003) y de la sutil actriz Sayuri Oyamada, en el papel de Aya. Cabe imaginar lo que habrían hecho Liliana Cavani ("Portero de noche", 1974) o Paul Schrader ("El placer de los extraños", 1990) con semejante material. Aquí, lo que está claro es que a Wayne Wang no le va este tipo de búsquedas alucinatorias, preñadas de misterio y frenesí. De manera que, a la postre, la película deja el sabor a morcilla de sangre triste.

Baywatch: Los vigilantes de la playa (2017)


La californiana playa de Santa Mónica es el territorio de Mitch Buchannon (Dwayne Johnson), un socorrista de la vieja escuela. A su equipo llega un novato, Matt Brody (Zac Efron), un ex nadador olímpico caído en desgracia que busca poner sus habilidades acuáticas al servicio de las personas. Aunque en un principio el estilo estricto de Buchannon chocará con el carácter rebelde de Brody, no tardarán en unir sus fuerzas para detener los planes de un magnate del petróleo y salvar la bahía de una trama de drogas y asesinos.

Valoración: 5,354.


FICHA

Título Original: Baywatch.
Director: Seth Gordon.
Guionistas: Damian Shannon, Mark Swift.
Reparto: Pamela Anderson, Dwayne Johnson, Zac Efron, Alexandra Daddario, Kelly Rohrbach, Priyanka Chopra, Ilfenesh Hadera, Jon Bass, Yahya Abdul-Mateen, David Hasselhoff.
Productores: Michael Berk, Gregory J. Bomann, Beau Flynn, Ivan Reitman, Douglas Schwartz.
Música: Christopher Lennertz.
Fotografía: Eric Steelberg.
Montaje: Peter S. Elliot.
País Participante: Estados Unidos.
Año de Producción: 2017.
Duración: 116 minutos.
Calificación por Edades: No recomendada para menores de 16 años.
Género: Acción, Comedia.
Estreno (España): 16 de junio de 2017.
DVD (Venta): 20 de octubre de 2017.
Distribuidora (España): Paramount Pictures Spain.
Espectadores (España): 404.042.
Recaudación (España): 2.285.442,79 €.
Visitas: 0.
Popularidad (Blog): 10 / 28.
Popularidad (Internet): 3 / 28.


COMENTARIO

Seth Gordon, director de "Por la cara" (2013) o "Cómo acabar con tu jefe" (2011), retoma el universo y los personajes de la homónima serie de televisión de los 90 y junta a dos icónicos actores (Zac Efron y Dwayne Johnson) para que se rían de sí mismos en un guion de una enorme comicidad autoconsciente. La película narra la historia del socorrista profesional Mitch Buchannon (The Rock) y su compañero, un novato insolente (Efron). Ambos tendrán que pasar por alto sus diferencias personales al descubrir una trama delictiva local que amenaza el futuro de la Bahía. (Anuario Fotogramas 2018: Mariona Borrull).


CRÍTICA

17-06-2017 – JOSU EGUREN

Operación bikini

Adelantándose por centímetros a la llegada del solsticio de verano, aterriza en la cartelera esta pseudo parodia homenaje a la teleserie que prolongó la operación bikini a lo largo de 220 capítulos y once temporadas acunándose en una generosa ración de pechamenes y pectorales esculpidos en mármol, esteroides y silicona que trotaban en cámara lenta por las playas de California al ritmo de la pegadiza 'I'm Always Here', de Jimi Jamison.

Con David Hasselhoff y Pamela Anderson apadrinando con sus cameos una celebración más cafre y gamberra que nostálgica, Seth Gordon ("Cómo acabar con tu jefe", "The King of Kong") aplica la ley del mínimo esfuerzo a la tarea de ordenar gags diseñados para burlar un modelo que ya en sus temporadas de decadencia jugó al descaro con la autoconsciencia y la ridiculez. Son Dwayne Johnson ("Fast and Furious 8", F. Gary Gray, 2017) y Zac Efron ("Mike y Dave buscan rollo serio", Jake Szymanski, 2016) los encargados de llevar sus personajes al límite de la caricatura y el desprejuicio mientras Alexandra Daddario, Kelly Rohrbach y Priyanka Chopra se limitan a ejercer los papeles de muñecas hinchables con fraseos neumáticos.

Consciente de su irrelevancia cómica, o fracasando al tratar de imitar los ritmos de la notable adaptación de "Infiltrados en clase" (2012) a cargo de Christopher Miller y Phil Lord, "Baywatch" deviene en una película de acción sin gracia que sólo es capaz de sacar músculo cuando Johnson monopoliza el primer plano de la narración. Tampoco se le puede pedir mucho más a un producto que persevera en su misión de servir como escaparate para cuerpos turgentes regados de comentarios sexuales y humor escatológico -en ese apartado lo mejor viene de la mano de Jon Bass ("Loving", Jeff Nichols, 2016)-, pero decepciona que ni el director ni su nutrido equipo de guionistas se esfuercen un mínimo en satirizar la complicidad del espectador.

El primer bodrio (pre)veraniego y posiblemente el peor.

Cartas de la guerra (2016)


En 1971, la vida de António Lobo Antunes (Miguel Nunes) cambia por completo. De repente, es reclutado por el ejército portugués como médico en una de las peores zonas de la guerra colonial: el Este de Angola. Desde allí, António escribe cartas a su joven esposa bajo un ambiente de violencia creciente. Entretanto, cambian los destinos, y el doctor empieza a enamorarse de África y a madurar políticamente, mientras continúa anhelando su regreso a casa. La correspondencia se convertirá en su tabla de salvación.

Valoración: 6,626.


FICHA

Título Original: Cartas da Guerra.
Director: Ivo Ferreira.
Guionistas: Ivo Ferreira, Edgar Medina.
Reparto: Ricardo Pereira, Miguel Nunes, Margarida Vila-Nova, João Pedro Vaz, Simão Cayatte, Tiago Aldeia, João Arrais, Francisco Hestnes, Isac Graça.
Productores: Sandro Aguilar, Luís Urbano.
Música: António Pedro.
Fotografía: João Ribeiro.
Montaje: Sandro Aguilar.
País Participante: Portugal.
Año de Producción: 2016.
Duración: 105 minutos.
Calificación por Edades: No recomendada para menores de 16 años.
Género: Drama, Bélica.
Estreno (España): 16 de junio de 2017.
DVD (Venta): 4 de octubre de 2017.
Distribuidora (España): Golem Distribución.
Espectadores (España): 7.238.
Recaudación (España): 42.044,65 €.
Visitas: 0.
Popularidad (Blog): 23 / 23.
Popularidad (Internet): 20 / 23.


COMENTARIO

El actor y director independiente Ivo Ferreira lleva a la gran pantalla la experiencia bélica en Angola que su compatriota, el prolífico escritor António Lobo Antunes, dejó escrita en la novela epistolar homónima. El film, presentado en el Festival de Berlín, detalla las cartas que él, un joven soldado (Miguel Nunes), mandaba a su mujer durante los dos años que estuvo en el país como alférez médico en plena Guerra Colonial portuguesa. (Anuario Fotogramas 2018: Mariona Borrull).


CRÍTICA

16-06-2017 – ANTON MERIKAETXEBARRIA

El corazón manda

Las cartas que un militar portugués, el hoy escritor António Lobo Antunes, envía desde Angola a su mujer en estado de buena esperanza es el detonante argumental de este poético filme anticolonialista, que no termina de culminar sus expectativas. Fotografiado en un tornasolado blanco y negro, "Cartas de la guerra" recrea de forma un tanto distante el declive colonial de Portugal, cuando el país se hallaba enfangado en una guerra sin cuartel, en la que Lobo Antunes reconoció haber perpetrado actos horribles. Licenciado en Medicina, su personalidad aparece diluida en una película carente de auténtica garra.

Si en "Cartas desde Iwo Jima" (2006), Clint Eastwood realizó un vibrante filme bélico, en "Cartas de la guerra" el realizador Ivo Ferreira en ningún caso logra comunicar todo el dolor, el sentido de culpa y la desesperación que sufrieron los que participaron en ella. Una contienda nefanda, porque hacía más hombres malos que los que mataba. Y fueron muchos. Tened en cuenta que constituyó uno de los conflictos más extensos de África en el marco del proceso de descolonización entre 1975 y 2002, con lo cual la vertiente histórica y política cuenta mucho en el desarrollo de la película.

Tampoco está conseguido el contraste entre dicha guerra en ultramar y la pulsión más íntima y secreta del protagonista por su amada, que espera angustiada noticias desde el corazón del continente africano. En todo caso, son cartas de amor de un lirismo estremecedor, más literario que cinematográfico, en las que se insertan amargas reflexiones que Lobo Antunes refleja en pensamientos que a buen seguro descubrió en sus verdes años, cuando su corazón estaba abierto a nobles ideales. Sin duda, debió ser descorazonador para un soldado tan sensible como él comprobar cómo en las masacres de Luanda y Dembos las atrocidades perpetradas por ambos mandos eran las mismas. Nadie está nunca solo.

París puede esperar (2016)


Con sus hijos ya criados, la vida de Anne (Diane Lane) se encuentra en una encrucijada. Lleva casada muchos años con Michael (Alec Baldwin), un exitoso productor de Hollywood que, sin embargo, es un adicto al trabajo y, cada vez más, desatiende su relación. La percepción de Anne de ella misma cambiará y recuperará las ganas de vivir cuando emprenda un viaje por la campiña francesa junto al encantador socio de su marido (Arnaud Viard), un 'bon vivant' que la acompañará mientras disfrutan de visitas pintorescas, vinos, humor y mucho más.

Valoración: 5,331.


FICHA

Título Original: Bonjour Anne.
Directora: Eleanor Coppola.
Guionista: Eleanor Coppola.
Reparto: Diane Lane, Alec Baldwin, Arnaud Viard, Elise Tielrooy, Cédric Monnet, Aurore Clément.
Productores: Eleanor Coppola, Fred Roos.
Música: Laura Karpman.
Fotografía: Crystel Fournier.
Montaje: Glen Scantlebury.
País Participante: Estados Unidos.
Año de Producción: 2016.
Duración: 92 minutos.
Calificación por Edades: Apta para todos los públicos.
Género: Romántica, Comedia, Drama.
Estreno (España): 16 de junio de 2017.
DVD (Venta): 2 de noviembre de 2017.
Distribuidora (España): Filmax.
Espectadores (España): 68.688.
Recaudación (España): 436.148,25 €.
Visitas: 0.
Popularidad (Blog): 13 / 21.
Popularidad (Internet): 11 / 21.


COMENTARIO

Eleanor Coppola vuelve detrás de las cámaras en un giro romántico tras "Corazones en tinieblas" ("Hearts of Darkness: A Filmmaker's Apocalypse", 1991), documental sobre el rodaje de la obra maestra de su marido. Con tintes autobiográficos, se centra en Anne (Diane Lane), esposa de un afamado productor de cine (Alec Baldwin), que sólo vive para su trabajo. En un viaje de Cannes a París con Jacques (Arnaud Viard), un socio de su esposo, descubrirá la 'joie de vivre' en medio de vistas pintorescas, deliciosos platos y mucho vino. (Anuario Fotogramas 2018: Mariona Borrull).


CRÍTICA

19-06-2017 – JOSU EGUREN

París puede esperar turistas

Un serpenteo epicúreo entre las playas de la Costa Azul y París a lomos de un elegante descapotable que dilata el trayecto con innumerables escalas turísticas. Así se resume la vaga línea argumental del primer largometraje de Eleanor Coppola, una mujer que debuta en la ficción cerca de cumplir ochenta y un años, la mayor parte de ellos en la penumbra de uno de los clanes con mejor pedigrí de la historia del cine.

Liviana en todo lo referente al tratamiento de la crisis que socava los pilares de la relación de pareja que forman Alec Baldwin "Misión imposible: Nación secreta", Christopher McQuarrie, 2015) y Diane Lane ("Trumbo: La lista negra de Hollywood", Jay Roach, 2015), "París puede esperar" prefiere abandonarse a los placeres de una cómoda ruta enológico gastronómica para adictos a los poses en Instagram, sin otra cosa que aportar que un ligero destilado autobiográfico muy poco corrosivo. En el fondo, y en la forma, "París puede esperar" es una imagen parcial y distorsionada del mundo visto a través de los ojos de una directora que filma envuelta en los algodones del lujo y el glamour, enfatizando tópicos tan gastados como el de ese bon vivant interpretado por Arnaud Viard en la frontera entre la desgana y la caricatura.

A su favor puede decirse que Coppola ha apañado una ópera prima fácil de mirar -el encanto de Diane Lane es un sol que ilumina hasta los días más tristes- y que en el discurrir de su ópera prima se pueden paladear expectativas que son una y otra vez traicionadas por un conformismo que hace imposible relacionarla con la road movie protagonizada por Albert Finney y Audrey Hepburn.

Como guía Michelin para espectadores de bolsillos profundos puede que merezca el aprobado pero en su vertiente cinematográfica es poco menos que folioscopio de postales pijas con la mordiente de un reportaje para una revista de tendencias.

Cosecha amarga (2017)


En los años 30, Stalin (Gary Oliver) continúa con sus ambiciones de expansión de la URSS. Por su parte, Yuri (Max Irons), un artista, se enfrenta a la hambruna, las torturas y el encarcelamiento para conseguir rescatar a su amante, Natalka (Samantha Barks). Con gran valor, huirá de la cárcel en la que estaba recluido y se unirá a la resistencia contra los bolcheviques, que lucha por recuperar una Ucrania libre, para intentar volver a reunirse con Natalka. Si quiere conseguirlo, tendrá que sobrevivir al genocida plan de los soviéticos.

Valoración: 5,832.


FICHA

Título Original: Bitter Harvest.
Director: George Mendeluk.
Guionistas: Richard Bachynsky Hoover, George Mendeluk.
Reparto: Terence Stamp, Barry Pepper, Max Irons, Samantha Barks, Aneurin Barnard, Richard Brake, Lucy Brown, Gary Oliver, Tamer Hassan, Nicholas Aaron, William Beck.
Productores: Stuart Baird, Chad Barager, Jaye Gazeley, Ian Ihnatowycz, George Mendeluk.
Música: Benjamin Wallfisch.
Fotografía: Douglas Milsome.
Montaje: Stuart Baird, Lenka Svab.
País Participante: Canadá.
Año de Producción: 2017.
Duración: 103 minutos.
Calificación por Edades: No recomendada para menores de 16 años.
Género: Drama, Bélica, Romántica.
Estreno (España): 16 de junio de 2017.
DVD (Venta):
Distribuidora (España): Vercine.
Espectadores (España): 2.892.
Recaudación (España): 15.805,83 €.


COMENTARIO

El polifacético realizador televisivo George Mendeluk, también responsable de películas como "La prisión de los chiflados" (1985), se pone serio en un drama ambientado en la Ucrania de los años 30 durante la dictadura de Stalin. La historia se centra en el joven artista Yuri (Max Irons), que lucha por salvar a su amada Natalka (Samantha Barks) del Holodomor, el programa de genocidio por inanición que se popularizó durante la ocupación comunista. (Anuario Fotogramas 2018: Mariona Borrull).

Ignacio de Loyola (2016)


Íñigo (Andreas Muñoz) es un joven soldado obsesionado con las mujeres y las luchas a espada que, tras caer herido en batalla, se ve obligado a renunciar a su carrera militar. Postrado en la cama, empieza a interesarse por nuevas lecturas. Desde ese momento, lo que pudo ser una desgracia se tornará en un deseo por convertirse en santo. Vencerá a la incredulidad de los que le rodean y a sí mismo y se convertirá en San Ignacio de Loyola, fundador de los jesuitas, la Orden que cambiaría la Cristiandad para siempre.

Valoración: 5,665.


FICHA

Título Original: Ignacio de Loyola.
Directores: Paolo Dy, Cathy Azanza.
Guionista: Paolo Dy.
Reparto: Javier Godino, Julio Perillán, Andreas Muñoz, Jonathan D. Mellor, Mario de la Rosa, Isabel García Lorca, Ben Temple, Gonzalo Trujillo, Lucas Fuica, Javier Tolosa.
Productores: Pauline Mangilog-Saltarin, Ernestine Tamana.
Música: Ryan Cayabyab.
Fotografía: Lee Meily.
Montaje: Ella Lopez.
Países Participantes: Filipinas, España.
Año de Producción: 2016.
Duración: 118 minutos.
Calificación por Edades: No recomendada para menores de 12 años.
Género: Biográfica, Acción, Drama.
Estreno (España): 16 de junio de 2017.
DVD (Venta): 12 de diciembre de 2017.
Distribuidora (España): European Dreams Factory.
Espectadores (España): 29.146.
Recaudación (España): 182.775,15 €.
Visitas: 0.
Popularidad (Blog): 15 / 17.
Popularidad (Internet): 13 / 17.


COMENTARIO

Debut del guionista filipino Paolo Dy, junto a la actriz Cathy Azanza (ya habían trabajado juntos en el 'thriller' "Qwerty", en 2007), ambos en la dirección de este drama histórico basado en la vida de San Ignacio de Loyola (Andreas Muñoz). La película narra su evolución personal desde su valiente comportamiento en la Batalla de Pamplona, pasando por el período de conversión gracias al profundo estudio de los textos sagrados, hasta finalizar con la fundación, en 1534, de la Compañía de Jesús. (Anuario Fotogramas 2018: Mariona Borrull).


CRÍTICA

18-06-2017 – ANTON MERIKAETXEBARRIA

La espada y la cruz

Que tengan que ser los filipinos quienes hagan una película sobre Ignacio de Loyola nos da idea de la debacle cultural que sufre en la actualidad nuestro país. Se trata de la biografía del indómito soldado y religioso guipuzcoano Iñigo López de Recalde, más conocido como San Ignacio de Loyola, fundador de la Compañía de Jesús, en 1534. Singular personaje, abordado de forma previa por el cine español, con el título de "El capitán de Loyola" (José Díaz Morales, 1949). Como era de prever, la espada y la cruz son los dos pilares sobre los que se sustenta esta semblanza de corte televisivo, firmada por el tándem Paolo Dy y Cathy Azanza.

El mayor problema al que una biografía de este estilo debe hacer frente es el de rendir creíble en la medida de lo posible el paso de aventurero sediento de gloria a su conversión y posterior esfuerzo a la hora de ejercer su apostolado «Ad Majorem Dei Gloriam». En ese sentido, la película logra comunicar al espectador una de las ideas fundamentales que guiaron al personaje retratado. O sea, que una fe que no actúa no es una fe sincera. Revelación que probablemente recibió entre la frondosa vegetación, entre hayedos y coníferas, bajo el cielo y la tierra de la hermosa merindad de Azpeitia.

Tributar una pequeña muestra de veneración y respeto a la memoria de Iñigo de Loyola es otra de las principales intenciones de la película, patrocinada por los propios jesuitas y protagonizada con verdadero entusiasmo por el actor español Andreas Muñoz ("El espinazo del diablo", Guillermo del Toro, 2001), sobre cuya noble frente parecen surcar pesares de otra época. Una interpretación en sintonía con el personaje en cuestión, un poco en la línea que marcó la actuación de Darío Grandinetti en "Francisco: El Padre Jorge", Beda Docampo Feijóo, 2015), filmada a mayor gloria del actual Papa Francisco. Porque, así como el ciervo busca corrientes de agua, el alma de Ignacio de Loyola buscaba a Dios.